Francesco Barberini è nato a Parma nel 1981 e si è diplomato nel 2000 presso l’istituto d’arte Toschi; subito dopo ha cominciato a lavorare presso un’agenzia di grafica pubblicitaria. Di sicuro importante per lui è stato un soggiorno di sette mesi a Barcellona. Ha fondato poi con alcuni amici un gruppo d’arte chiamato i Koalaz. Ha partecipato a numerosi premi ed esposizioni nazionali, sia singolarmente sia insieme ad altri artisti o gruppi. Al momento vive e lavora a Parma.

Alessandro Del Pero è nato a Bolzano, il 13 gennaio 1979. Nel 1998 si trasferisce a Firenze dove si iscrive alla Facoltà di Architettura. Durante gli studi si specializza nella progettazione grafica e design. Collabora con una azienda del settore tessile nella ideazione e realizzazione di una linea di abbigliamento.United States

Nel 2005 si laurea in architettura e rientra a Bolzano. Nel 2006 inizia la sua esperienza professionale come architetto. Sempre in questo periodo si avvicina al mondo della pittura e nel 2007 espone i suoi primi lavori in una mostra personale presso Kunstart, fiera d’arte contemporanea. Nel maggio 2007 si trasferisce a Barcellona (Spagna), dove inizia a dedicarsi a pieno alla pittura iniziando il suo percorso da autodidatta.uk inflatable rock for sale Nel 2008 e 2009 realizza due mostre personali proprio nella capitale catalana. Sempre nello stesso periodo partecipa ad alcune mostre collettive. Nel marzo 2010 rientra a Bolzano dove attualmente vive e lavora.

Stefano Bonazzi è nato a Ferrara nel 1983, dove vive e lavora. Autodidatta, è appassionato d’arte moderna, grafica digitale, videoarte, design architettonico. Le tecniche che usa per i suoi lavori sono il disegno a carboncino, il fotoritocco digitale e la fotografia. Stefano dice di se: “Ogni mio lavoro è intriso della prospettiva con la quale affronto la vita: una visione disillusa e cinica che mi porta a concentrarmi sugli aspetti negativi delle cose. Questo mio modo di osservare la realtà non vuole però essere un disincanto fine a sé stesso, ma piuttosto un punto di vista alternativo al buonismo diffuso e alla falsità di fondo costitutivi della nostra società.”

Giovanissima artista di talento dalla spiccata sensibilità artistica – mostra già una personale e raffinata ricercatezza stilistica. Leggerezza, armoniosità corale, materia sottile e delicata sono le peculiarità delle sue opere. Danza armonica di linee fluttuanti che – come in un immaginario onirico – compongono forme e figure che liberano la mente e aprono il nostro io interiore a mondi sconfinati, in cui l’orizzonte si perde in una nebbia soffice di colori ovattati e velati.

Forti e chiari sono i riferimenti al giapponesismo: semplicità, compostezza, delicatezza, matericità quasi impercettibile ed eterea rendono i segni e le linee tanto sottili ed eleganti.

Elemento principale alla base della sua creazione è il rapporto con la superficie pittorica. La lenta preparazione del supporto – carta o tavola su cui poi prendono vita le figure – è frutto di un lungo processo di meditazione e d’ideazione. Sfruttando tutte le caratteristiche della tecnica dell’acquarello, Sofia Rondelli asseconda i tempi evolutivi della natura: silenzi, pause e attese sono funzionali alla sua creazione riflessiva e meditativa. Spesso le figure si dissolvono nello spazio con fragile delicatezza, diventando un tutt’uno con lo sfondo. Non esiste separazione netta, ma le forme e le superfici si amalgamano. Si perde corposità, plasticità, dinamismo che si dissolve nella bidimensionalità del foglio.

Modulazione di velature materiche, sovrapposizione di più immagini e composizione di più strati. Le campiture cromatiche e formali sono calibrate e ben calcolate. Il colore perde cromia attenuandosi su sfumature terree e quasi monocrome. In alcune opere si giunge a una composizione polimaterica.

L’indeterminatezza della forma fa si che a un primo sguardo le opere paiano astratte. Sofia Rondelli, proprio attraverso la sua tecnica pittorica, induce il fruitore a soffermarsi con maggiore attenzione sulle opere per poter cogliere l’essenza formale ma anche gli elementi che costituiscono l’uomo, la natura e la vita nel suo complesso. I soggetti, pertanto, si compongono lentamente nella mente dell’osservatore come in Uomo danzante su alligatore.

L’artista cerca in questo modo di attenuare la frenesia dei nostri tempi, spingendo lo spettatore a riflettere sulla sua condizione e sulla propria esistenza; ma ci fornisce anche la possibilità di un riscatto, di una speranza escatologica.

Equilibrio, melodia delle forme e levità delle figure sottolineano l’armonia che pervade i quadri, rendendo l’osservatore libero di volare in un spazio sereno, mai banale o frivolo.

Si accede così a un universo parallelo, quasi fantastico, in cui Sofia Rondelli ci accompagna per mano in un cammino di conoscenza della natura universale. Alla ricerca di un mondo metafisico in cui tutto è celato e nel quale si incontrano sorprese, avventure e si vivono sentimenti ed emozioni a volte dimenticate, come la tenerezza di un abbraccio. Abbraccio sensibile e Bambino sensibile.

Assorbe le esperienze del quotidiano attraverso una rielaborazione e una sedimentazione nella coscienza, attendendo l’attimo in cui le forme si compongono e danno una visione poco convenzionale della verità del nostro io.

Con piccoli segni, tratti, linee impercettibili riesce a rendere i sentimenti, gli stati d’animo e le emozioni: ti salverò; Ricordo di un clown. Semplicità disarmante e al tempo stesso profondità delle tematiche affrontate, come in L’ebreo; Cavallo etrusco; L’uomo che chiedeva l’Africa.

L’artista attenua e sfuma la realtà dove sogno e concretezza si fondono e confondono. Reale e irreale si avvicinano rompendo la sottilissima soglia che li separa. Il mondo infantile, del disegno e del graffitismo viene impiegato a fini espressivi e comunicativi.

La parola, la scrittura, condensano i temi fondamentali affrontati dall’artista. Poesia e filosofia irrompono nei suoi quadri. A volte esiste l’impossibilità dell’uomo di esprimere e liberare il proprio universo introspettivo, il proprio Mare dentro, ma l’arte arriva in soccorso per dargli sfogo, per far esprimere ciò che è portiamo dentro: la nostra identità. Figure che piovono dal cielo e planano verso terra grazie a un paracadute di parole, frammenti di pensieri, come in Il collezionista di parole, La rete di pensieri e L’uomo presi dalle parole.

L’anima dell’artista si manifesta perciò nella fragile tenerezza e silenziosa armonia che caratterizza i quadri, “che esprimono le diverse sfumature dell’universo interiore di cui ogni essere è dotato”.

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Nel 2005, Kirka, dopo aver completato gli studi presso l’Università di Belle Arti di Cordoba-Argentina, inizia a viaggiare in cerca dei luoghi dell’arte, sperimentando e sviluppando negli anni un personale percorso stilistico-pittorico.

Le sue opere, intense a livello cromatico e nell’espressività dei contenuti riflettono il suo coinvolgimento sociale. L’intento della sua pittura è fare dell’oblio un ricordo costante.

Il pittore sostiene che “oggi non si tratta di essere moderni bensì attuali. L’immagine è il mezzo ma non un fine.” Il fine consiste nel gioco esistente tra la calma dei suoi personaggi e la furia dei colori.

Kirka tinge la realtà con una soggettività che offre alla realtà stessa una visione particolare che è molto lontana dall’essere quella degli oggetti stessi.

Kirka fa del video un ulteriore mezzo per comunicare la sua arte. Da questa sua passione, il suo amico, Camillo Valle, giovane regista, ha realizzato il cortometraggio “Who’s Kirka” che il 6 ottobre alle 18:00, il cinema Gnomo in Via Lanzone 30 – Milano, proietterà. Il cortometraggio è stato selezionato per la III edizione della rassegna cinematografica internazionale, “I’ve Seen Films”, sezione dedicata all’Arte, che si terrà a Milano, dal 30 settembre al 9 ottobre prossimi

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Matteo Gubellini è nato a Bergamo nel 1972. Illustratore di libri per bambini e fumettista, formatosi alla Scuola del Fumetto di Milano. Ha ricevuto importanti riconoscimenti: Premio “Scarpetta d’Oro” nel 2004; premio “H.C. Andersen” nel 2005; è stato finalista al Premio d’illustrazione “Stephan Zavrel”; primo premio “Illustrissimi” nel 2007; premio speciale al concorso Lucca Junior: “Stelle nascoste. Galileo e l’Universo” nel 2009; 2° classificato a “Strisce di Jazz”, organizzato dall’Associazione Piacenza Jazz Club, nel 2010. Tra gli ultimi libri suoi o da lui illustrati: Histoires du bout du nez à la pointe des pieds, Ed. Flies France e Storia della casa che voleva cambiar casa, Ed. Artebambini , Se fossi un gatto…,Ed. Bohem Press; Fiabe a tempo, Ed. San Paolo e Leo et Leonine, Ed. Anna Chanel, Un vero Leone, Ed. Bohem Press.

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Innokentiy Fateev è nato a Novokusnetsk, Siberia, Russia, nel 1980, da genitori artisti. Ha iniziato, sin da ragazzo, a dipingere nello studio del padre, Yuri, Maestro di pittura. L’ambiente in cui ha vissuto ha favorito il percorso di sintesi che Innokentiy ha compiuto. Quando abbiamo visto i quadri di Innokentiy, abbiamo pensato di intitolare la mostra, “I paesaggi incantati”, ma poi, riflettendoci bene, questo titolo ci è sembrato un po’ limitativo. In fondo Fateev non è un paesaggista, anzi. E’ uno che i paesaggi non li rappresenta affatto, ma li “crea” a partire da immagini reali usate come materiale bruto che, senza la sua capacità visionaria, non saprebbero esprimere – per noi – la loro – pur autentica – bellezza. E comunque non sono paesaggi realistici, ma “paesaggi dell’anima”, nel senso che sono sostanzialmente sogni. Sogni “ad occhi aperti”. Leggi l’intervista a

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