Dal 10 al 26 febbraio 2011, SpaziArti presenta la mostra personale di Francesco Barberini, altrimenti conosciuto come Psychoboy54, un giovane artista di Parma. In questa mostra verranno esposti diversi dipinti e disegni, realizzati con uno stile che ricorda molto i graffiti che siamo abituati a vedere in giro sui muri, sui treni e sulle metropolitane delle nostre città. Ma Francesco Barberini non è un comune writer, ce ne possiamo accorgere soprattutto osservando i suoi dipinti su tavola. Sono ritratti iperrealistici, in cui ogni particolare, ogni ruga, ogni smorfia vengono sottolineati all’eccesso Inflatable Toys. Questi volti risultano quindi esageratamente espressivi e, proprio per questo, quasi irreali o surreali. Occhiaie, bocche aperte, denti digrignati, gesti inconsulti, cerotti, vengono registrati senza pietà sui dipinti e nei disegni dell’artista, che non li minimizza, anzi li evidenzia, come se questi dettagli fossero cicatrici, segni visibili di ferite, che in realtà sono invisibili, perché racchiuse nell’animo dei protagonisti delle sue opere. Non solo, Psychoboy54 riesce a darci l’impressione che i suoi dipinti ci parlino, aggiungendo piccole vignette, frasi sbocconcellate o cancellate per metà: tramite questo espediente molto semplice ci sembra quasi di seguire il flusso dei pensieri dei personaggi ritratti.

Francesco Barberini è nato a Parma nel 1981 e si è diplomato nel 2000 presso l’istituto d’arte Toschi; subito dopo ha cominciato a lavorare presso un’agenzia di grafica pubblicitaria. Di sicuro importante per lui è stato un soggiorno di sette mesi a Barcellona. Ha fondato poi con alcuni amici un gruppo d’arte chiamato i Koalaz. Ha partecipato a numerosi premi ed esposizioni nazionali, sia singolarmente sia insieme ad altri artisti o gruppi. Al momento vive e lavora a Parma.

Perché per le tue opere hai scelto proprio la tipologia del ritratto? E’ semplicemente la cosa che mi viene più naturale…

Le persone che diventano protagoniste dei tuoi dipinti sono persone che conosci, fisionomie inventate, o volti che ti hanno casualmente colpito? Nei miei dipinti ritraggo principalmente persone che conosco, in modo che possa fare io le foto e quindi decidere luci, inquadrature etc., ma mi è capitato anche di dipingere da foto di altri, chiedendone il permesso o di trovare nei meandri della rete facce interessanti che mi hanno colpito e in aggiunta qualche faccia me la sono pure inventata… quindi direi che non ho un modus operandi rigido, mi faccio trascinare dal momento.

Dato che i tuoi dipinti così iperrealisti sembrano mettere anche a nudo l’animo e i pensieri delle persone ritratte, ti sei mai cimentato in un autoritratto, come una sorta di autoanalisi di te stesso?

Autoritratti me ne sono fatti molti, non per una sorta di narcisismo, ma  in primis, perché è più semplice fotografarsi da solo ed esprimere esattamente quello che si ha in testa e poi, proprio per un discorso di autoanalisi, nel senso che spesso mi fermo a pensare e divagando, ne nascono immagini e concetti che mi sento sulla pelle. Addirittura, molte volte nasce prima il titolo del quadro, proprio per via di questa premeditazione, come in “Cose che ti segnano” “Eroe di me stesso” o”Farò finta d’essere felice” che è un ritratto di mia madre.

Alessandro Del Pero è nato a Bolzano, il 13 gennaio 1979. Nel 1998 si trasferisce a Firenze dove si iscrive alla Facoltà di Architettura. Durante gli studi si specializza nella progettazione grafica e design. Collabora con una azienda del settore tessile nella ideazione e realizzazione di una linea di abbigliamento.United States

Nel 2005 si laurea in architettura e rientra a Bolzano. Nel 2006 inizia la sua esperienza professionale come architetto. Sempre in questo periodo si avvicina al mondo della pittura e nel 2007 espone i suoi primi lavori in una mostra personale presso Kunstart, fiera d’arte contemporanea. Nel maggio 2007 si trasferisce a Barcellona (Spagna), dove inizia a dedicarsi a pieno alla pittura iniziando il suo percorso da autodidatta.uk inflatable rock for sale Nel 2008 e 2009 realizza due mostre personali proprio nella capitale catalana. Sempre nello stesso periodo partecipa ad alcune mostre collettive. Nel marzo 2010 rientra a Bolzano dove attualmente vive e lavora.

In mostra ventisette dipinti. Lavoro-dichiarazione di “incomodità” dell’uomo contemporaneo, costretto nel suo ruolo di spettatore impotente della propria condizione esistenziale. Minotauri, teste taurine, corpi e volti d’uomini costellano il suo mondo figurativo. Figure forzate, sospese, posturalmente innaturali, personaggi non personaggi, immersi in una calma contemplativa e afona che imprigiona energia in potenza. I contrasti sono alla base delle sue opere: assenza-presenza di colore, istinto primordiale-ragione, colore compatto-liquido, uomo-animale, consapevolezza-dubbio. Arte come riflessione e mezzo per comunicare una condizione “incomoda”, generale e individuale. Le figure – apparentemente incerte – sono protette da numerose patine e strati di pigmento sovrapposto che danno forma e consistenza alle immagini. Mediante l’iterazione della superficie, le sovrapposizioni, le colate, l’alternanza di campiture piatte e diluite, nette e stemperate e lo sfaldamento di materia, l’artista riesce a esprimere lo smarrimento generazionale e l’“incomodità” dell’uomo contemporaneo. Tangibile è la forte necessità di un’approfondita meditazione, dilatata nel tempo, che porta a un graduale disvelamento dell’io, tramite il continuo e ininterrotto scavare sotto gli strati che lo proteggono. L’uomo e il suo confronto-scontro con la vita sono il fulcro delle sue opere dalle quali emergono figure sospese, incerte, attanagliate da perenni dubbi, nella cosciente-incosciente ricerca di sé e del proprio spazio nel mondo. “In questo senso la raffigurazione – di matrice prevalentemente autobiografica– della figura umana gioca provocatoriamente ed ironicamente con il ruolo di soggetto artistico”. Dualità arte-vita è la chiave di volta della sua poetica.

Volti indefiniti, sformati e mascherati – caricati di valori mitologici – che nelle composizioni esprimono emozioni forti e intense mostrando i molteplici stati d’animo dell’uomo contemporaneo: paura, insicurezza, inadeguatezza e mutevolezza. Anche il Minotauro ha le sue debolezze: la forza e la possanza della corporatura gli conferiscono l’illusoria invincibilità che nasconde fragilità e incertezze. La solidità mitologica è pertanto vinta ironicamente dalla complessità dell’essere umano tormentato da innumerevoli interrogativi.

Il minotauro figura mitica per eccellenza viene da te trasposta in una dimensione fortemente reale quasi dissacrante. Quali significati assume nel tuo percorso artistico tale soggetto?

Non so se abbia un significato particolare. E’ stato, direi, un senso di curiosità a portarmi a realizzare i primi lavori su questo soggetto.

Affrontare un tema come questo è un po’ come mettersi a confronto con la storia, la leggenda, e questo senso del “mito” è un po’in antitesi con quel che generalmente emerge dai miei lavori.

Lo studio dei soggetti rappresentati parte generalmente da una matrice autobiografica. quali sono le tue altre fonti di ispirazione e i tuoi modelli? ritrai dal reale o da immagini?

In realtà è uno studio autoreferenziale più che autobiografico. Nel senso che non intendo raccontare di me, ma utilizzo me stesso, fisicamente, come referenza nella creazione di un’immagine umana.

Questo lo faccio generalmente tramite la fotografia, quasi sempre con l’utilizzo del mio telefono cellulare. Mi scatto una foto e la visualizzo sullo stesso apparecchio.

La mia fonte di ispirazione è l’uomo. L’uomo del mio tempo e l’idea che di lui mi sto costruendo attraverso l’esperienza diretta e indiretta.

Evidenti sono i contrasti alla base delle tue opere: assenza di pigmento-netta presenza, colore compatto-liquido, istinto primordiale-ragione, uomo-animale, consapevolezza-dubbio. Arte come sfogo o mezzo per comunicare una condizione “incomoda”, generale o individuale?

Credo che l’arte non possa essere assolutamente considerata un mezzo di sfogo. Al contrario, se analizzata dal punto di vista creativo, cioè dell’artista, credo che essa possa arrivare ad essere un ulteriore messa in discussione del “sé”. Quindi più che canale di sfogo rischia diventare un tunnel senza uscita, se affrontata in quest’ ottica. La considero invece un mezzo comunicativo, soprattutto se analizzata dal punto di vista del fruitore, del pubblico.

In arte, l’atto creativo è evidentemente stimolato da cause di tipo razionale, ma deve formalizzarsi attraverso un processo di natura primitiva, istintiva, spesso proprio irrazionale.

L’artista deve considerarsi un “ricercatore” più che un comunicatore.

Credo nell’arte fine a se stessa. Solo come tale può considerarsi un’autentica nuova occasione di riflessione.

Da cosa e da dove nasce l’esigenza di realizzare un “Diario Visuale”? Cosa ti ha spinto a rappresentare il tuo mondo – luoghi, affetti e te stesso – attraverso le immagini?

certamente la necessità di fermare il tempo, accettando come dato di fatto lo scorrere degli eventi, amo pensare

che io possa rubare dei momenti di eternità, anche se questo dovesse poi risultare falso, non m’interessa in quanto essendo una mia necessità la ritengo utile alla mia sopravvivenza in questo luogo che abito. inoltre essendo anche uno scrittore (se così mi posso ritenere), sento il bisogno di raccontarmi, e essendo che l’immagine che voglio dare di me è la più fedele alla realtà esigo di rappresentare il mondo che vivo, quelle cose e quelle persone che abitano la mia vita, come tu hai scritto, la mia quotidianetà…ma tutto questo è per adesso, poi si vedrà…

Ci hai accennato, che nei periodi caldi ti ritiri con altri artisti in una cascina sui magnifici colli fiorentini. Perchè questa necessità e quanto ti condiziona e influenza artisticamente il contatto con altri artisti?

-il contatto che ho avuto con altri artisti mi ha aiutato a comprendere e pulire il mio concetto di arte…a sviluppare una mia idea chiara e sempre più personale…ciò non significa che io abbia accettato le idee degli altri come oro colato, bensì che io abbia fatto un lavoro dentro di me per capire esattamente cosa mi interessa e cosa invece non voglio che faccia parte del mio mondo immaginativo…questo tipo di lavoro è tuttora in corso d’opera ed è sempre in discussione, ciò che non posso discutere è quella sensazione allo stomaco che mi accompagna da sempre e che è il giudice di tutte le mie scelte.

L’istinto e l’ispirazione sono la condizione sine qua non del tuo operare artistico. Ci potresti parlare della fase artistica che stai attraversando? Perchè è proprio il disegno?

per molti anni ho dipinto senza preoccuparmi del disegno, ma dentro di me viveva la sensazione che il disegno fosse il fondamento della costruzione di un quadro, o della sua distruzione all’occorrenza…molte volte ho visto quadri molto importanti e ho apprezzato più i disegni preparatori che l’opera compiuta…in fondo il disegno è un po’ lo scheletro… certo i miei disegni vengono realizzati già come opera compiuta e non come preparazione di un qualcosa che verrà, e in questo infatti non differiscono molto dai miei dipinti, ma nel disegno attualmente sento più libertà che in un quadro, è una fase

e non potrei fare diversamente adesso, visto che l’ultima volta che ho provato a dipingere mi sono sentito un andicappato, incapace, e ti garantisco non è stata affatto una bella sensazione…credo che sia una fase in quanto ho sempre avuto un istinto piuttosto acceso verso il colore, e mi auguro che questo lavoro che sto facendo sul disegno mi serva a migliorare le qualità del mio operare.

< In mostra trenta disegni inediti e un dipinto – realizzati dal vivo – che immergono completamente lo spettatore nel mondo di Sebastiano Benegiamo, giovane artista fiorentino. Ritratti i suoi affetti – padre, madre, fidanzata, amici, artisti colleghi – ma anche i luoghi che frequenta, che vive: opere forti, incisive e penetranti. Traduce in immagini gli stati d’animo: volti di donne e uomini riflessivi, sereni, ma anche tristi che parlano con gli occhi e le espressioni del viso trasmettendoci le loro sensazioni e la loro visione del mondo. Come in Essere John Malcovich, lo spettatore si identifica per tutta la durata della mostra in Sebastiano Benegiamo, guarda coi suoi occhi e prova le sue emozioni. Attraverso i volti degli altri, l’artista attua una personale ricerca e analisi introspettiva-psicologica della sua quotidianità: luoghi, persone, affetti. Arte come luogo di riflessione e disanima dell’io e della propria personalità. Profonda necessità di immortalare ogni respiro della sua vita e tutto ciò che lo circonda. Tonalità velate, leggere, tendenti ai grigi e ai bruni, funzionali a focalizzare l’attenzione sul soggetto, sull’interiorità. L’artista non realizza dei ritratti iperrealisti, ma accentua volutamente difetti, imperfezioni e asimmetrie: tratti fisiognomici unici e distintivi. L’universo interiore ed esteriore di Sebastiano si fondono per mostrarci il complesso mondo dell’artista. Riflessione intima e delicata, dolce e amorevole. In alcuni casi, il soggetto è quasi totalmente celato dalla stessa materia: è proprio la presenza e l’assenza di pigmento a dare corposità e profondità alla figura. Colate di lapis e di terra che danno consistenza alle composizioni. Lavoro reiterato sul foglio legato al mettere e al togliere progressivo: è col levare che si crea, si forma la figura. Artista famelico, dinamico, maturo, opera solo se in presenza d’ispirazione, di istinto creativo. Nonostante abbia realizzato con successo opere a colori, si trova ora nella fase del bianco e nero, del disegno e in particolar modo nei generi presenti in mostra: ritratti e paesaggi. Sebastiano vive in simbiosi con l’arte, vi si immerge totalmente: arte, quindi, come sinonimo della sua vita. Inaugurazione 14 dicembre 2010 ore 18:30 SpaziArti Ungallery è aperta tutti i giorni, esclusa la domenica, dalle ore 17:00 alle ore 19:30.