“Take me out tonight

because I want to see people and I

want to see life.

Driving in your car

oh, please don’t drop me home.”

The Smiths, There is a light that never goes out.

Apro la portiera della sua macchina e prima che mi potessi sedere al posto del passeggero, la mia penna cade per strada. Abbassandomi per raccoglierla, mi rendo conto che questa è la prima volta che sto guardando i dettagli dell’asfalto; le sue fessure, le sue variazioni cromatiche, la sua stratificazione. Quasi istantaneamente chiudo la portiera e prima ancora di salutarci gli dico che da quando ho visto i suoi quadri, ho cominciato a comprendere e cercare la poetica e la magia ingenua anche in momenti apparentemente insignificanti della mia vita quotidiana. “Vai!”, egli risponde, “non perdiamo tempo prezioso, dobbiamo raccogliere molti momenti ‘apparentemente insignificanti’ lungo il nostro itinerario”.

Allaccio la mia cintura e ho penna e taccuino in mano. Volendo dare un titolo ai miei appunti, gli chiedo quale sarà la nostra destinazione. Lui risponde che non esiste solo una destinazione specifica che bisogna raggiungere, ma molte come i numerosi, svariati percorsi dell’asfalto che hanno lo stesso valore delle nostre destinazioni. L’auto si è già fermata al primo semaforo rosso del suo percorso. Un uomo si trova all’inizio di un passaggio pedonale ed essendo assorto nei suoi pensieri, decide di rimanere lì e di non attraversare la strada. Rivolgo il mio sguardo al conducente e lo osservo. Mi chiedo quale potrebbe essere il suo pensiero. Credo che in qualche modo abbia isolato il volto dell’uomo a causa della sua espressione intensa, per restituirla dopo nella sua pittura in un modo completo tecnicamente ed esteticamente. Volti, Asfalti, Itinerari. Forse questo è anche il titolo che stavo cercando. Tre parole chiave, tre temi che incontriamo nei percorsi artistici di Davide Frisoni. Uno di essi è appena iniziato…

Le strade sono bagnate. La pioggia si è fermata giusto in tempo per il nostro viaggio e le nuvole hanno cominciato a essere interrotte dai fasci di luce. Non è sicuro se il sole tramonta o sorge. Ciò che è certo, però, è che la macchina si muove persistentemente verso la luce. Gli chiedo perché e mi risponde accedendo le luci della macchina. “E’ proprio l’elemento della composizione dei nostri itinerari nella vita e nell’arte, che simboleggia l’eterno movimento del tempo. Proprio nel momento in cui la luce nasce o scompare, il tempo sembra che scorre più velocemente. Questo momento diventa, quindi, ancora più prezioso ed io desidero afferrarlo. Luce per me. La restante luce nasconde o rivela tutti gli elementi di una composizione. Oppure noi siamo parte di questa composizione mentre continuiamo il nostro viaggio, con le nostre velocità, magnetizzati dall’innegabile potere del tempo. La magia inevitabile della vita quotidiana si trova intorno a noi, non la vedi?”, mi chiede.

Guardo fuori dal finestrino alla mia destra. Il mare d’inverno. Quasi immediatamente mi sento piena di una forte emozione; Il sentimento del sublime che ci offre la visione della natura dominante, un concetto essenziale in tutta l’estetica romantica. Frisoni riferendosi alla poetica trascendente del sublime, le dà una sostanza materiale, la inserisce nel presente e la usa come un cancello aperto verso una diversa e magari necessaria visione della realtà. La realtà urbana con le autostrade, gli edifici al buio di notte, le luci della città e i loro riflessi sugli asfalti bagnati, si alternano continuamente e successivamente seguono i paesaggi ultraterreni, meno realistici e più astratti. L’artista realizza un percorso continuo dall’interno all’esterno e viceversa.

“L’obiettivo è il movimento”, dice mentre la notte è già arrivata e i riflessi delle insegne al neon sulle strade ancora umide, creano l’illusione di una realtà parallela che corre proprio sotto le ruote dell’auto. Volti, itinerari infiniti sulle strade luminose e vicino al mare, insieme ai paesaggi tranquilli che ci sfidano a perderci in una contemplazione estatica della natura, compongono l’universo dell’Artista che alla fine non viaggia mai da solo, ma con tutti noi come passeggeri. Basta stare di fronte ad una delle sue opere e improvvisamente si sentirà che apre per noi la portiera della sua macchina. ‘Ε successo anche a me…

Zoe Fragoulopoulou

Viviamo in un’epoca in cui i cambiamenti continui e rapidi a livello sociale, economico e politico, si verificano prima ancora che la mente umana riesce a comprenderli e digerirli, in modo da poter stare al passo con loro. Tutto sembra così complicato, così caotico, in quanto sentiamo di trovarci in mezzo a un vortice pieno di informazioni, ideali, valori e principi modificati. L’arte non poteva mancare di riflettere questa confusione. Tuttavia, ci sono alcuni artisti che aprono finestre di emergenza per allontanarci dai ritmi frenetici e guidarci in una dimensione, dove le caratteristiche principali sono l’equilibrio e l’armonia fra l’esistenza umana, sia materiale che spirituale, e la natura. Questi artisti usano la loro arte e la loro intuizione quasi magica. Ugo Levita è uno di loro.

Ondaperpetua è il titolo della personale di Ugo Levita. Ondaperpetua è il titolo di una matura – e allo stesso momento, costantemente in fase di sviluppo – visione del mondo, che l’artista ci presenta attraverso le 20 opere che espone nella SpaziArti Ungallery. Sogno, inconscio, realtà desiderata, storia, contemporaneità, rotondità, sono solo alcune delle parole chiavi che ci introducono alla sognante ma eppur così realistica arte di Ugo Levita. Nella sua visione del mondo, l’obiettivo è quello della composizione di un modello di vita in cui uomo e natura, passato, presente e futuro, realtà e fantasia, si uniscono per creare un unico insieme, pur mantenendo la loro frammentazione e singolarità. In che modo, però, viene fatto questo? La risposta sta nel nostro cuore e nella nostra mente Air Blower.

Ugo Levita inserisce la figura umana al centro delle sue composizioni. Un intero nuovo mondo, pieno di simboli che segnalano il suo aspetto armonicamente spirituale e materiale, nasce ogni volta dai sogni, dai pensieri più intimi e dalla “coltivazione” della mente umana. Una donna addormentata vola e sogna, un’altra contempla il mistero del thanatos e della vita attraverso la lettura profonda di un libro. Qualsiasi immagine creata dal subconscio umano va realizzata all’interno delle composizioni poetiche di Ugo Levita. Il corpo umano cambia come cambiano anche le stagioni. L’adolescente innocente diventerà donna combattente e la donna coraggiosa diventerà madre protettiva, proprio nel momento in cui l’inverno si trasformerà in primavera e il bruco diventerà una farfalla. Tutto si muove ciclicamente e in modo sequenziale nella vita umana e nella natura. La vita coesiste con la morte. Simboli di eternità come i crostacei, il fuoco, il mare e la grandezza del pensiero umano si combinano e interagiscono sottolineando l’alternanza perpetua della vita e della morte. Vanità? Inevitabile? Vera bellezza? Materia e spirito, ristrettezza e vastità, terreno e metafisico. Il passaggio da un livello all’altro crea l’essenza dell’esistenza umana. Questo è il lavoro artistico di Ugo Levita. Questa è la nostra vita. Godiamocela!

Zoe Fragoulopoulou

Se c’è una pittura che – a dispetto della solo apparente oggettività della rappresentazione – rifiuta di essere “capita”, nel senso illuministico del termine, quella è la pittura di Ugo Levita. Quasi per paradosso, ma un paradosso proprio non è, si tratta di pittura “astratta”, se con ciò si intenda l’astrazione da una realtà da descrivere, da inserire in un contesto sociale, in definitiva da narrare. Come i dipinti che la critica e la storiografia definiscono astratti, ai quali peraltro è legata da una piramide parentale che ha vertice nel Simbolismo, il solo stato d’animo che accetta nell’approccio è quello che ne vuole cogliere la forza evocativa. Non trasmette messaggi intelleggibili, men che meno racconta storie, né comunica idee o atmosfere. Rapisce l’osservatore nella sua temperie magica, metafisica, onirica, lo istruisce al disincanto del mondo.

È arduo, quindi, sfogliare l’atlante cosmico dell’opera di Levita nel tentativo di distillare pensieri ordinati. I suoi dipinti sono – in molti capi appaiono, pure – galassie che pullulano di elementi diversi, monadi neoplatoniche portatrici di tanti significanti, chiamati a contribuire alla definizione di un complesso significato. E nel mezzo, sempre, sta l’uomo, il deus, la “monade delle monadi”, con Sinesio di Cirene. Il deus ex machina, che nella tragedia greca – e non citiamo a caso il mondo del teatro, l’opera di Levita incrocia spesso soluzioni scenografiche – viene calato sulla scena per risolvere una situazione intricata.

Mai rappresentata nella sua interezza, la figura quasi sempre centrale non sta lì a rappresentare sé stessa: è un oggetto inserito nel kaos, è il “motore immobile” nel divenire dell’Universo. Cosa cerca? Cerca risposte che non vuole trovare, per continuare a cercare…

Massimo Mattioli

Vesna Bursich è una giovane artista poliedrica e attratta dalle diverse forme del gusto. Disegno e pittura sono per lei vere e proprie calamite: tentata da forme e colori, esprime attraverso il suo segno tutto ciò che le parole non riescono a pronunciare.

Vesna con il suo sguardo attento e diligente verso l’arte, dal quattrocento al contemporaneo, conferma un coinvolgimento emotivo e una passione per il mestiere.

Le opere sono la dimostrazione di un lavoro multiforme e vario. Prodotti artistici nati in maniera a sé stante sono l’arte di Vesna e indiscutibile è l’assenza di unico fil rouge argomentativo. Le opere di Vesna non si esauriscono mai in letture immediate e la discontinuità dei temi accentua la ricerca esclusiva onebyone. Si può però parlare di una presenza tangibile, di un filo conduttore fatto di ricordi e momenti che assumono diverse forme.

Molte delle tele di Vesna nascono da idee plastiche, ma i problemi logistici la conducono all’utilizzo severo dell’olio al fine di ingannare anima e corpo dello spettatore. Pittura plastica di fronte ai nostri occhi … la bottiglietta della Coca Cola, un vero must dell’era contemporanea, trasformata in bottiglietta dell’acqua Santa: pennello come scalpello per un risultato del tutto statuario.

L’iperrealismo non le basta: Vesna desidera addentrarsi nel profondo della sua pittura. Ecco fatto … autoritratto dell’artista stropicciata: come un bozzetto malfatto su carta da spolvero pronto per essere cestinato! Niente gomma per cancellare, appallottoliamo il foglio e magari lo gettiamo. Chi non si è mai sentito spiegazzato?

Dalle figure stropicciate si prosegue verso quelle ritagliate, dove volti e corpi si sovrappongono e i diversi piani esaltano l’espressività dell’immagine. Ancora … giochi virtuali: personaggi di carta che si trovano in spazi soffocanti. Fiamme che bruciano l’ossigeno e ci lasciano senz’aria. Siamo affascinati e spaventati al tempo stesso. Carta o cartone non ha importanza, è la forza dell’espressività, che emerge dalla fragilità, a rendere le tele interessanti e pregevoli.

Per concludere, nature morte sottovuoto. In questo caso, è il foglio di plastica a stropicciarsi. Qui non c’è la carta o il cartone che brucia sotto forma di casa o di bara, ma il foglio di plastica che conserva. Conservare si, ma non per sempre. Infatti, anche con il sottovuoto la pera, accanto alla banana, presenta quei contorni scuri che precludono alla marcescenza. E allora, perché non plastificare i segni del tempo?

Le singolari nature morte che Vesna vorrebbe tenere quanto più a lungo possibile vive, ponendole sottovuoto, rappresentano nuovamente la pittura che si fa scultura. Dal bidimensionale – foglio di carta stropicciata – Vesna passa al foglio di plastica anch’essa stropicciata – ma che prende forma, diventa tridimensionale aderendo perfettamente alla frutta. Le nature morte, ultimissime opere di Vesna dimostrano che la sua proficua e interessante sperimentazione artistica è aperta, non si ferma, ma continua. Chissà quali altre sorprese ci riserva l’arte di Vesna. Staremo a vedere!

Martina Corbetta