Un colore che si scioglie in emozione, uno sguardo che esprime un universo interiore, due occhi dalla bellezza infinita che manifestano una coraggiosa risposta allo sconforto, una città che diventa proiezione della condizione esistenziale contemporanea, luoghi abbandonati che sono metafora della desolazione e dell’afflizione… un’artista che empaticamente ascolta e racconta un rumoroso silenzio sociale e che al contempo sa estrarre la bellezza dal cemento e dall’asfalto.

Rosy Mantovani dipinge, con grande sensibilità, la condizione umana odierna fatta di molta solitudine e di difficoltà di comunicazione. È una situazione paradossale perché proprio quando il mondo civile si è globalizzato, accorciando ogni distanza fisica e culturale, e si è unito in un’unica rete, attraverso i mass media ed i social networks, qualcosa è stato smarrito o, peggio, è andato perduto: l’essenza dell’umanità e la possibilità di condividere in concreto la propria esistenza. Si vive circondati dal caos del mondo ma si finisce per essere rinchiusi, come in una gabbia, nella prigionia di un IO che non trova modo di vivere come NOI. Il mito del progresso e la nuova religione del lusso e del divertimento lasciano dunque il campo al senso di una desolata e malinconica solitudine, alla depressione di fronte all’impossibilità di una vera comunicazione e condivisione e dunque al disinganno.

In questo cammino verso la consapevolezza inizia la riscossa delle loro esistenze. Ne nasce una bellezza interiore e dunque una grazia esteriore, i suoi protagonisti diventano Fiori di strada. In quelle periferie desolate o rumorose, sudice o abbandonate si accende la bellezza degli sguardi di chi non demorde, di chi combatte… e forse vincerà. Non c’è compiacimento per la bellezza di questi volti e di questi corpi. C’è empatia. E infine ecco che si riscopre la bellezza della vita. È la possanza della resilienza.

È un viaggio che ognuno di noi compie in se stesso. È il pensiero che domina questo mondo che, nello sforzo di raggiungere una consapevolezza e di ritrovare le forze per resistere, sembra perdere il colore. Una cromia selezionata e parca non ci distrae. Solo la figura è a fuoco, perché si è messa a fuoco. Il contesto si scioglie nell’emozione, si sfalda come uno sfondo perso nelle lacrime. Sono lacrime di colore che scivolano sulla tela come lacrime nascoste che urlano al mondo. Noi le dobbiamo ascoltare come l’artista.

L’attenzione dell’artista si sposta infine puntandosi su quegli occhi, sullo sguardo, finestre dell’anima. Scompare lo sfondo, scompare la città, scompare il mondo, fino a che rimangono solo il volto e i pensieri. Sono i Ritratti. La materia sporca della città, della realtà urbana ferrosa è sempre presente, è la cortina da cui emergono con forza. L’impostazione dell’opera si semplifica ma si potenza la forza espressiva.

Emanuela Fortuna

a cura di Emanuela Fortuna da RESILIENZE – i fiori dell’anima

IMPRONTE DI LUCE

Tra il Grafico e il Pittorico

Le opere di Angelo M. Colombo che stiamo per assaporare e “vivere” in questo spazio espositivo arrivano da molto lontano…. Si tratta di quattro dipinti che hanno attraversato territori mentali complessi, spesso impervi, in anni di percorsi artistici sperimentali, risolti in intensi periodi espressivi, prima di trovare la loro attuale dimensione di forma-linguaggio. Quella che, carica di maturità artistica e potenza espressiva, tutti possiamo ora ammirare.

TRA BAMBINI NELLO SPAZIO, OMINI BLU, CERVELLI E ALTRE MERAVIGLIE DI UN MONDO IMMAGINATO

Parlare di surreale non è cosa facile, potrei descrivervi un mondo che non c’è alla perfezione, ma la vostra visione non sarà mai identica alla mia e il mio concetto andrà perso, modificato, iper personalizzato, cambierà alla fine di significato. Ecco perché entrare nel mondo di Giancarlo Montuschi, pittore, bambino, sognatore, visionario, non è facile. Difficile quindi parlare di lui. Potrei basarmi su ciò che vedo, su ciò che lui mette a disposizione dei miei, vostri, occhi. Gli omini blu, i

personaggi di vecchi fumetti, una storia di pesci che inseguono stelle volanti aiutati da frecce rosse.

Provo ad immaginare se le opere di Giancarlo Montuschi si mettessero all’improvviso in movimento, cosa succederebbe…Il caos, un mondo meraviglioso e brulicante, un mondo meccanico e colorato, questo lo chiamo Futurismo. Ma il surreale non posso descriverlo, potrei narrarvi il mio surreale ma lo stesso non capireste.

Giancarlo Montuschi è il pittore narrante, l’uomo che vive nella sua dimensione, una dimensione parallela, l’omino blu è lui! Esatto, non sto blaterando. L’arte in fondo non esiste, è un’illusione, una parola coniata per descrivere le forme di alcuni cervelli. Nelle opere di Montuschi, noi vediamo il suo cervello, è incredibile davvero ma è così. Il cervello è un mondo a sè e cambia forme e colori per ognuno di noi. Il cervello di Giancarlo Montuschi ha strade, navicelle spaziali, vie lattee colorate, stelle, omini, bambini, gioia di vivere, entusiasmo, il futuro, il passato, un pianeta, mille pianeti. Lui non fa altro che trascrivere, sapientemente, su tela, riportare forma e dati del suo cervello. Ecco cosa vediamo. Ecco cosa è l’arte.

Non riuscivo a parlarvi di surreale? E invece ho fatto proprio un vero discorso surreale. Voglio lasciare questa strada e tornare sulla terra, al Giancarlo Montuschi in carne e ossa, fisico, alla sua curiosità fanciullesca, alla ricerca che sta attuando in questo suo periodo artistico, il progetto “Il Passato nel Futuro”, un’indagine nell’immaginario partendo dagli anni ’20 ’30 ’40 ’50 a proposito di futuro, il nostro presente.

Come i nostri avi ci immaginavano insomma, e qualcosa è stata centrata, indovinata. Ecco il concentrato dell’operazione artistica di Giancarlo Montuschi. E poi vengono l’esoterismo e il simbolismo, temi a lui cari da sempre. A noi, l’arduo incarico di scoprirne i significati. A lui, il divertimento di vederci stupiti. E non è poco.

Spiegare il successo di Montuschi? La gente vuole essere felice.

Francesca Ancona

Le mostre di Lucio Diodati si presentano sempre come singoli capitoli di un lungo racconto ideale. I diversi pezzi che compongono le sue mostre, non sono che passaggi narrativi di un unico tema: la rappresentazione della figura femminile. In un suggestivo palcoscenico artistico gruppi di donne dagli occhi imperscrutabili, fessure schiuse appena, per custodire piccoli segreti, prendono identificazione attraverso una tecnica pittorica che combina colori e forme in una raffinata esecuzione. Le quinte si aprono su un fondo, privo di elementi scenografici, che allude ad un dove da cui i personaggi fanno ritorno.

Un trionfo di simmetrie e di armonie che si fondono con la rappresentazione di una femminilità solare e sognante, leggera e carnale, divertita e divertente. È l’immaginazione la categoria che contiene e concilia il tutto, è l’immaginazione che sposa artificio e realtà, emozioni e ragione. Una duplice sensualità si effonde allusiva dalle sue opere, quella vivace delle sue figure femminili, contornate da un tratto rapido e avvolgente, e quella legata all’ebbrezza del dipingere, al piacere per fluide accensioni cromatiche, che nascono parimenti dalla storia della pittura e dalla realtà. Con stile favolistico, ironico e di forte presa narrativa, Diodati ci consegna figure di donne, cristallizzate in ironici fermo-immagini, che ridono e sussurrano, intorno ad una tavola imbandita, accomunate dallo stesso intimo desiderio e bisogno di essere guardate, comprese, accolte.

Attingendo ad una cultura storico-artistica, lontana dall’estetica pubblicitaria, Diodati sottrae dal cliché estetico della donna-oggetto le sue gioiose e disinvolte creature e ci restituisce il gusto dei piaceri semplici vissuti coscientemente ed insieme condivisi. La sua è una pittura del sorriso, una pittura che ricorda la luminosità della vita e che ci stupisce per la semplicità, una semplicità complessa che non cerca motivazioni razionali agli eventi della realtà e dell’irrealtà che l’artista descrive con poetica immaginazione.

Francesca Londino

La pittura di Faccioli ricorda il realismo magico di Donghi. Esiste in lui una certa, convinta, discesa nel trasogno surrealista, vissuto senza impegni intellettualistici, ma con notevole, intenso amore per l’immagine e il suo significato nascosto. Faccioli non rivela, suggerisce. Lo fa con molto pudore e con il desiderio di meravigliarsi ad ogni scoperta: il desiderio viene soddisfatto (è come se l’immagine si rivolgesse a lui con comprensione, con intesa, con complicità).

Dario Lodi